Diskussion + Werkstatt

Donnerstag, 11. November 2021

18.00 – 19.30 Diskussion: Kooperation, Kompetenz, Sichtbarkeit. 

Kunstwissenschaften und Wikipedia

Diskutant:innen

Holger Plickert (Wikimedia Deutschland), Heidrun Rosenberg (Kunsthistorikerin, VOEKK), Brigitte Sölch (Kunsthistorikerin, Universität Heidelberg)
Moderation
Andreas Huth und Yvonne Schweizer

Freitag, 12. November 2021

14.15 Begrüßung
Waltraud v. Pippich

14.30 – 16.00 Labor 1: Monografische Wikipedia-Artikel zu Kunstwerken

Anja Schürmann und N.N.

16.00 – 16.30 Pause

16.30 – 18.00 Labor 2: Wikipedia und Lehre 

Andreas Huth und N.N. (Wikimedia Deutschland)

Samstag, 13. November 2021

9.15 Begrüßung + Resümee des Vortags
Waltraud v. Pippich

9.30 – 11.00 Labor 3: Wikipedia und die Bilderfrage – visualisieren, 

kategorisieren, analysieren

Martin Bredenbeck und Raimond Spekking
 

11.00 – 11.30 Pause

11.30 – 13.00 Labor 4: Leerstellen. Kunsthistorikerinnen und Künstlerinnen in 

der Wikipedia 

Maria Merseburger, Heidrun Rosenberg und N.N. (AG Kunsthistorikerinnen vor 1970)

13.15 – 14.00 Abschlussdiskussion

Moderation: Henrike Haug und Anika Reineke
 

Die Veranstaltung findet online via Zoom statt; eine Anmeldung ist nicht notwendig.

Zugangs-Link
Meeting-ID: 682 9873 9667 Kenncode: 369966

Konferenz-Hashtag #kuwiki2021


 

• Poster „Erprobung neuer Technologien zur Erschließung und Analyse kultureller Information aus Bildern – das ChIA Projekt“, von Amelie Dorn, Präsentation im Rahmen des Posterslams, Twitter-Hashtag #chia4dh, Präsentation am 24.03.2021, ab 18 Uhr
• Vortrag „Was ist eigentlich KONDA? – Die etwas andere Projektvorstellung“, von Julia Rössel
  Fragen bitte schon in den Tagen 22.03.-24.03. via Twitter – Hashtag #askKONDA
  oder per E-Mail an konda(at)uni-marburg.de, Vortrag am 25.03.2021, 11–12 Uhr
• Workshop-Reihe „Virtuelle Akademie zur digitalen 3D-Rekonstruktion“, mit Sander Münster, Piotr Kuroczynski und Malu Dänzer Barbosa, Release von Video-Tutorials zwischen April und September 2021,
  Einführungssitzung am 25.03.2021, 9–11 Uhr, Abschlusssitzung am 15.09.2021, 14–16 Uhr
• Workshop „Let´s visit musem collections: What can we gather about the data?“, mit Sara Akhlaq, Sabine de Günther, Sarah Kreiseler und Marian Dörk
  Information und Anmeldung: https://uclab.fh-potsdam.de/vdhd2021/, 25.03.2021, 15–16 Uhr
• Workshop „Simple Image Presentation Interface (SIPI) – Bilder IIIF kompatibel speichern und publizieren“, von Julien Raemy, 31.05.2021, 10–12 Uhr
• Workshop „Experimente: Die Landschaften der digitalen Kunstgeschichte kartieren“, Arbeitskreis Digitale Kunstgeschichte, 10.06./11.06.2021 (Uhrzeiten folgen noch)
• Workshop „Atelier Numérique in Paris am Deutschen Forum für Kunstgeschichte“, mit Anne Klammt, 25.06.2021, Beginn: 9 Uhr
  
  
  
   

Ich freue mich, Teil des Programm-Komitees gewesen zu sein und wünsche allen eine schöne DH-Zeit!

See you auf der #vDHd2021

Verantwortlich: Joëlle Weis, Timo Steyer und Peer Trilcke

Wenngleich die DH wegen ihrer methodischen Ausrichtung immer zu einem bestimmten Grad experimentell sind (zumindest im Vergleich zu traditionellen geistes- und kulturwissenschaftlichen Disziplinen), so scheinen sich in den letzten Jahren doch einige Verfahren, insbesondere im Bereich der textbasierten DH, zunehmend zu etablieren. Daher sollen in diesem Beitragstyp vor allem Methoden und Verfahren angesprochen werden, die noch experimentellen Status innehaben. Gesucht werden idealerweise Einreichungen zu neuartigen Anwendungsbereichen und mit unorthodoxen Ideen. Die Beiträge können auch kritische Einblicke und Bewertungen aktueller Diskurse geben oder provokative Thesen formulieren. Willkommen sind ebenso Einreichungen zu und mit unterschiedlichen Medientypen, wie etwa Videos, Bilder, Musik, Spiele und 3D-Objekte.

Zunächst sollen Abstracts der geplanten Beiträge mit einer Länge von 500 – 1.000 Wörtern eingereicht werden. In den Abstracts soll die Fragestellung klar umrissen und der Grad der Innovativität deutlich gemacht werden. Die Langbeiträge umfassen 5.000 – 7.000 Wörter (Abbildungen und Referenzen nicht mitgerechnet).

• Kontakt und Einreichung: Joëlle Weis
  
  

Verantwortlich: Lisa Dieckmann und Ulrike Wuttke

Diese Beitragskategorie beschäftigt sich mit der Publikation von Datensätzen. Gesucht werden hier vor allem unkonventionelle corpora obscura. Die Datensätze sollen frei verfügbar, bspw. über ein anerkanntes institutionelles, fachliches oder generisches Forschungsdatenrepositorium veröffentlicht werden und dabei möglichst die FAIR-Prinzipien (findable, accessible, interoperable, reusable) berücksichtigen. Darüber hinaus soll ein Beitrag im Umfang von 3.000 – 5.000 Wörtern (Abbildungen und Referenzen nicht mitgerechnet) in der ZfdG publiziert werden, der die Erstellung und die Besonderheiten des Datensatzes beschreibt und methodische Anknüpfungspunkte und konkrete Forschungsfragen aufzeigt (Data Paper). Die nachfolgenden Beispiele sollen die geforderte Kombination aus Datensätzen und begleitenden Artikeln anhand bestehender dataset publications illustrieren:

·   Standardized Project Gutenberg (Text; Dataset)

·   TED Talks as Data (Text; Dataset)

Bitte reichen Sie zunächst Abstracts im Umfang von 500 – 1.000 Wörtern ein und stellen Sie dar, welche Daten Sie publizieren wollen und inwiefern diese relevant für die DH-Community sind. Gehen Sie dabei auch kurz auf die Berücksichtigung der FAIR-Prinzipien und die geplante Infrastruktur zur nachhaltigen Veröffentlichung der Daten ein, sofern es in diese Richtung bereits Überlegungen gibt. Falls der Datensatz bereits (vollständig oder in Teilen) veröffentlicht wurde, bitten wir um eine kurze Motivation der Publikation im Rahmen des geplanten Sammelbands.

• Kontakt und Einreichung: Lisa Dieckmann
  
  

Verantwortlich: Manuel Burghardt und Niels-Oliver Walkowski

Neben der Publikation von Datensätzen, ist ein weiteres Experiment dieses Sammelbands die Veröffentlichung von „executable publications“. Gesucht sind hier interaktive Jupyter Notebooks (Python und R-basiert), die, sofern möglich, zusammen mit den verwendeten Daten und einer technischen Dokumentation als Git-Repositorium eingereicht werden. Alle Notebooks haben neben den Code-Abschnitten eine klar strukturierte und verständliche textuelle Komponente. Einreichungen in dieser Kategorie werden parallel in einer ausführbaren Version bei Melusina Press und einer statischen Textversion im Umfang von 3.000 – 5.000 Wörtern (Abbildungen und Referenzen nicht mitgerechnet) in der ZfdG publiziert.

Ziel dieser Beitragskategorie ist die Verschränkung textueller Passagen mit code-basierten Explorationen innerhalb eines wissenschaftlich-narrativen Zusammenhangs. Dabei soll die häufig anzutreffende Rollenverteilung von Text als Mittel der Interpretation und Daten/Code als Ort empirischer Stringenz aufgebrochen werden. Wir gehen davon aus, dass Code genauso gut eine Theorie kommunizieren kann wie Textualität verschiedenste Formen der Evidenz zu produzieren vermag. Beiträge in dieser Kategorie sollten diesen gleichberechtigten und experimentellen Umgang mit beiden Modalitäten (und anderen, wie z. B. Bildern) ernstnehmen und entsprechend widerspiegeln. Code-Experimente können dabei ganz unterschiedliche Ziele verfolgen. So kann in essayistischer Manier einer Forschungsfrage oder einem Forschungsgegenstand nachgegangen werden. Ein methodisch orientiertes executable paper wiederum kann interaktive Komponenten dazu nutzen, eine neue Forschungsmethode unter weitreichender Einbeziehung von LeserInnen zu vermitteln und durch Parametrisierbarkeit diese Komponenten umfänglich evaluierbar zu machen.

Bei Interesse an einer Einreichung dieser Art wird um eine frühzeitige Mitteilung gebeten. Weitere technische Anforderungen und formale Vorgaben werden nach Kontaktaufnahme zugesendet. Gefordert sind weiterhin Abstracts im Umfang von 500 – 1.000 Wörtern, die das Konzept und die Struktur des Notebooks erläutern. Es sollte dabei deutlich werden, inwiefern die später ausführbaren Code-Komponenten einen epistemologischen Mehrwert gegenüber einer rein textuellen Beschreibung bringen.
 

• Kontakt und Einreichung: Niels-Oliver Walkowski
   

• Earhart, A. (2015). The digital humanities as a laboratory. MIT Press.
• Hannaway, O. (1986). Laboratory Design and the Aim of Science: Andreas Libavius versus Tycho Brahe. In Isis – Journal of the History of Science Society 77(4), 585–610.
• Knorr-Cetina, K. (1991). Die Fabrikation von Erkenntnis: Zur Anthropologie der Naturwissenschaft (Vol. 959). Suhrkamp.
• Lane, R. J. (2016). The Big Humanities: Digital Humanities/Digital Laboratories. Routledge.
• Siemens, L. & Siemens, R. (2012). Notes from the Collaboratory: An Informal Study of an Academic Lab in Transition. Book of Abstracts, DH Conference 2012, Hamburg.
• Pawlicka-Deger, U. (2020). The Laboratory Turn: Exploring Discourses, Landscapes, and Models of Humanities Labs. In Digital Humanities Quarterly, 14(3).
  
  
  
   

Experimente sind in den Digital Humanities allein schon sprachlich allgegenwärtig. Forschungszentren bezeichnen sich selbst als Labore, es werden experimentelle Methoden entwickelt, man nähert sich Datensätzen experimentell etc. Inwieweit steckt hinter der Verwendung dieses Vokabulars, das zunächst in den Naturwissenschaften etabliert wurde, mehr als bloße Metaphorik? Erlauben Experimente Reproduzierbarkeit und Objektivität des Erkenntnisgewinns auch für die Geisteswissenschaften? Was genau sind Experimente in den Digital Humanities? Welche ethischen, technischen und prinzipiellen Grenzen haben Experimente in den Digital Humanities? Das sind nur einige Fragen zum Thema Experimente, die wir im nächsten Jahr gemeinsam diskutieren möchten. Zugleich laden wir mit der virtuellen DHd ein, experimentell an virtuelle Konferenzen heranzutreten und insbesondere neue Formate und Tools auszuprobieren, die anderen Partizipations- und Präsentationslogiken folgen.
 

Hinsichtlich der Formate gibt es keine strikten Vorgaben. Es können digitale Vorträge, Paneldiskussionen, Projektvorstellungen und Posterslams organisiert, Filme gezeigt, Webinare angeboten, soziale Events wie digitale Kaffeepausen und Stammtische eingerichtet und Podcasts, Grafiken oder Texte präsentiert werden. Digitale Preisausschreiben, Interviewsessions, Schnitzeljagden, Speed-Dating, Blogparaden etc.: anything goes – solange das Event virtuell besuchbar, offen, integrativ und mit möglichst offener Lizenz versehen und nachhaltig abgelegt ist.

Anstatt eines einzelnen Events, in dem alle Formate gebündelt werden, möchten wir die Veranstaltungen wie folgt über das Jahr verteilen:
 

Erste Eventtage in der KW 12: 22.–26.03.2021
Zwischenevents (möglich zwischen KW 12 und 37): hier vor allem Projektvorstellungen
Zweite Eventtage in der KW 37: 13.–17.09.2021
 

Die beiden Eventwochen sollen analog zu einer Konferenzwoche in einem begrenzten Zeitrahmen von 2–3 Tagen Aktivitäten und Aufmerksamkeit bündeln. Um eine breite Partizipation zu ermöglichen, können jedoch auch darüber hinaus an anderen Terminen Zwischenevents insbesondere für Projektvorstellungen angeboten werden, die ebenfalls zur vDHd2021 dazuzählen und in das Gesamtprogramm aufgenommen werden.

Klassische Vorstellungen von Projekten oder Arbeiten werden bevorzugt in den Zwischenevents und auf dem Blog untergebracht, um während den beiden Eventwochen Raum für freiere Formate zu bieten.

Uns schwebt vor, dass die Community sich selbst organisiert und Veranstaltungsvorschläge gemeinsam eingereicht werden. Für die beiden Eventwochen sollte die Veranstaltungsdauer einzelner Events eher kurz sein (45 Minuten). Nichtsdestotrotz kann es, dem Charakter der Veranstaltung entsprechend, auch hier Ausnahmen geben – wir bitten dann um eine entsprechende Information.
 

Für die wissenschaftliche Publikationsform wird es einen separaten Call for Papers geben, in dem ein Peer-Review-Prozess etabliert wird. Alle Beitragenden der vDHd2021 werden herzlich zur Beteiligung eingeladen.

Darüber hinaus kann das vDHd2021-Blog https://vdhd2021.hypotheses.org/ als Präsentationsplattform für alternative Formate, Projektvorstellungen und Berichte von den Events (Experimentbericht!) genutzt werden. Hierfür bitten wir um einen Hinweis bei der Einreichung.

Es wird keine übergreifende Videokonferenzinfrastruktur genutzt, diese muss von der Organisation eines Participants selbst gestellt werden. Bitte klären Sie Kapazitätsgrenzen, Support und Lizenzfragen vorab mit dem zuständigen Rechenzentrum. Optimal ist die Vorbereitung einer Ausweich-Lösung, falls es zu Problemen kommt. Auch die mit einer Aufzeichnung verbundenen Fragen (Technik, Rechte, Datenschutz) sollten von Ihnen geklärt werden.

Sie haben eine tolle Idee, aber es fehlt die technische Infrastruktur? Dann sollten Sie zunächst selbst nach möglichen Partner:innen suchen. Wir planen für den Anfang des Jahres eine “Speeddating”-Runde als erstes Vorevent, in der sich mögliche Gleichgesinnte ebenfalls finden können.

Bitte senden Sie uns Ihren Vorschlag als Schreiben, Video oder Pitch und füllen das Formular aus, das die folgenden Angaben abfragt:
 

• Titel, Eventformat und inhaltliche Beschreibung der vorgeschlagenen Aktivität
• Erläuterungen zum vorgeschlagenen Format und insbesondere, inwieweit es die Community mobilisiert und partizipieren lässt
• Angaben zur Dauer des Events und zum gewünschten Termin
• Die präferierte Kommunikations- oder Streaming-Plattform sowie verfügbaren Support oder eventuelle Fallback-Lösungen bei Problemen
• Nennung der beteiligten Personen und ggf. zugehörigen Einrichtung. Auch Nachwuchswissenschaftler:innen (inklusive Studierender) werden nachdrücklich zur Beteiligung aufgefordert.
• Angabe, ob der Vorschlag weiteren Personen Raum zur Mitarbeit eröffnet

Einreichungen sollten die Länge von 500–1000 Wörtern bzw. 5 Minuten nicht überschreiten.

Bitte informieren Sie uns, ob Sie Ihre Veranstaltung in den Eventwochen oder als Zwischenevent organisieren möchten. Das Organisationsteam wird einen thematisch sinnvollen Gesamtablauf vorschlagen, so dass es ggf. zu anderen Terminvorschlägen kommen kann.

Die primäre Sprache der Veranstaltung ist Deutsch. Vorschläge sollen in deutscher, können aber auch in englischer Sprache eingereicht werden. Die Aktivitäten selbst sollen auf Deutsch durchgeführt werden, sie können aber in begründeten Fällen auch auf Englisch oder mehrsprachig durchgeführt werden.
 

Neben dem DH-Bezug, den wir als selbstverständlich voraussetzen, gehören zu den Auswahlkriterien:
 

• Experimenteller Charakter: Formate, die sich deutlich vom klassischen Vortrag unterscheiden, experimentellen Charakter haben und vielleicht sogar nur online möglich sind, werden priorisiert.
• Partizipation: Anders als bei einer klassischen Veranstaltung bietet ein virtuelles Event ganz andere Möglichkeiten zur Einbeziehung der Teilnehmer:innen. Formate, die auf aktive Partizipation setzen, werden daher bevorzugt.
• Keine Angst vor Fehlern: Auch aus Experimenten, die scheitern, lernen wir für die Zukunft. Aus diesem Grund wird explizit dazu aufgefordert, ohne Furcht vor Fehlschlägen und innovativ zu improvisieren – und einen Plan B im Ärmel zu haben.

Wir setzen keinen klassischen wissenschaftlichen Reviewprozess um. Aus organisatorischen Gründen behalten wir uns vor, ähnlich gelagerte Formate zusammenzulegen bzw. eine Vernetzung herzustellen. Abgelehnt werden Einreichungen, die thematisch bzw. organisatorisch nicht zum Call passen oder gegen die Satzung des DHd e.V. verstoßen.

Bitte senden Sie uns Ihr Proposal über das vorbereitete Webformular. Alternative Einreichungsformate können über URL mit eingebunden werden.
 

Fristende des Call for Participation: 7. Januar 2021. Die Teilnehmenden werden bis Ende Januar über die Auswahl informiert.

Lust, bei der Organisation mitzumachen? Dann bitte eine Mail an vdhd2021@dig-hum.de.
 

Das Organisationsteam

Benjamin Auberer
Daniel Brenn
Manuel Burghardt
Lea Gleissner
Daniel Haas
Patrick Helling
Jürgen Hermes
Mareike König
Lisa Kolodzie
Simone Kronenwett
Waltraud von Pippich
Berenike Rensinghoff
Torsten Roeder
Mareike Schumacher
Melanie Seltmann
Timo Steyer
Peer Trilcke
Andreas Wagner
Ulrike Wuttke
 

Mail: vdhd2021@dig-hum.de
Blog: http://vdhd2021.hypotheses.org 
Twitter: @vDHd2021
Discord: https://discord.gg/u5hzceQ


 

Das Experiment kann waghalsig sein. Einige würden es fürchten.

Ein offenes Ende kann zu ihm gehören.

Etwas Eigenartiges, Sonderbares, Unvorhersehbares kann dabei herauskommen!

Methoden können ins Wanken gebracht, hinterfragt, in die radikale Kritik getrieben werden, Irritation kann in starre Gefüge sich einfinden, das Neue bekommt eine Chance.

Durchgeführt nach exaktem Plan, sind Ergebnisse des Experiments selbst gerade nicht planbar.

Wären die Ergebnisse miteingeplant/planbar, ginge der experimentelle Charakter verloren. Es wäre kein Experiment mehr.

Das Prozesshafte ist dem Experimentellen inhärent. Wie das Forschen und die Forschung, Erkundung, Prüfung und Wahrheitsfindung, begleiten Experimente die Episteme, bringen das Starre in Fluß, öffnen zur Zukunft, treiben die Wissenschaft voran.

Zum Thema Experimente werden im Jahr 2021 Veranstaltungen im Rahmen der virtuellen vDHd 2021 stattfinden. Die Jahrestagung des Verbands der Digital Humanities im deutschsprachigen Raum wurde wegen der Corona-Pandemie auf das Jahr 2022 verschoben. Es ist Zeit für das selbst experimentelle Ersatzformat einer virtuellen vDHd 2021.

Der Call for Participation zum Thema Experimente für das Alternativformat vDHd 2021 läuft noch bis zum 7.1.2021.

Denn: Als Instrument der Beweissicherung kann er unschätzbaren Wert erhalten. Stößt man beispielsweise im Internet auf ein Plagiat der eigenen Schriften, wird der erste Schritt sein (nein, nicht irgendwen anrufen oder eine E-Mail schreiben): einen Screenshot der Stellen anzufertigen. Die Beweissicherung ist der erste Schritt. Ist ein download des Plagiattextes möglich, wäre das natürlich die erste Wahl der Speicherung.

Als Möglichkeit punktgenauer, rasant schneller Dokumentation sollte man die zu drückenden Tasten für einen Screenshot wirklich aus dem Effeff beherrschen. Bei mir zum Beispiel ist es: 4 + cmd + shift (3 Tasten zugleich) -> Möglichkeit eines Auswahlfensters bietet sich sogleich -> das "Abgeschossene" speichert sich automatisch als png-Bilddatei auf dem Desktop/Schreibtisch. Einfach und super.

Die Auflösung ist nicht zu beanstanden, sondern gewissermaßen geeicht dafür, an einem Computerbildschirm beschaut zu werden. Die Bildauflösung eines Screenshots beträgt automatisch 144 dpi. Das geschossene Bild weiter verwendet werden, man kann manuell mit dem Cursor in den automatisch vergebenen Bildnamen (z.B. „Bildschirmfoto 2020-04-12 um 10.26.24“) clicken und die Bilddatei umbenennen (z.B. „Marees_Orangenpfluecker_1887_Version_01“).

Wer als Kunsthistoriker*in oder Bildwissenschaftler*in, der/die auch mit dem Computer arbeitet, den Screenshot nicht beherrscht, der/die gleicht dem Athleten, den die gymnastische Kniebeuge in die Bredouille bringt. Ein Feld von Möglichkeiten ergibt sich:

- Dokumentation
Während einer virtuellen Konferenz lassen sich Präsentationen der/des Kollegen/-in abfotografieren, somit sichern und für die weitere Nacharbeit bewahren. Nicht jedes Detail einer vielbeschriebenen Folie wird sich in der Eile der Zeit mitschreiben lassen.

- Merkbilder
Zugpläne, Öffnungszeiten, Landkarten, ... im fluiden digitalen Medium werden (wieder) zu starren (Merk-)Bildern – man muss nicht alles auf Papier ausdrucken, man schießt es ab -> Screenshot.

- Festhalten des Augenblicklichen
Z.B. als Kultur der ursprünglich künstlerischen Praxis des film stills: aus Film-/Videomaterial generiert der Screenshot ein Bild. Auch im strengeren Sinn des Photographischen erzeugt der Screenshot aus dem auf dem Monitor Bewegten ein (genuin digitales) Bild.

- Bildbearbeitung
Sie arbeiten z.B. an einer Skizze von Marees. Sie möchten sich auf ein Detail dieser Skizze konzentrieren, es für die Publikation extra in den Fließtext Ihres Beitrags einarbeiten. Sie möchten ein Detail einer Abbildung aus einem digitalen Archiv extrahieren -> Screenshot.

- Medienverbindung
Der genuin digitale Screenshot vermittelt mit Leichtigkeit unterschiedlichste Medien: Sie setzen z.B. den Teil einer Textseite, den Sie nochmal lesen werden, neben das Detail eines Gemäldes aus einem digitalen Bildarchiv, daneben setzen Sie den Screenshot einer Infographik aus einem Online-Vortrag – ein individueller, digitaler Leuchttisch entsteht. Auch dieser lässt sich abfotografieren: Collage der eigenen Arbeit.

Wer gute Verwendungsmöglichkeiten für Screenshots kennt oder hacks auf Lager hat, teile sie in einem Kommentar hier unter diesem Blogbeitrag.

Dass der Gute Screenshot heißt, und nicht Monitorfoto etc. wollen wir ihm nicht verübeln. Man lasse sich davon nicht abschrecken. In der Sache ist der Screenshot das Recht zur, individuellen, Dokumentation und eine wohl beständig unterschätzte Möglichkeit.

Der Screenshot. Er ist gleichsam das Recht des Digitalbürgers, das Gesehene auch zu bewahren. Manchmal muß man recht schnell sein. Aber die Chance war gegeben. Beim nächsten Mal, fertigen Sie mal einen Screenshot an. In noch ungeahnter Stunde könnte er zum Trumpf werden.

2) Sehen Sie bzgl. des Knowledge Graphs Spezifika für Kulturdaten?

Die Verknüpfung von Kulturdaten mit Wissensgraphen führt zu neuen Wegen der Erschließung von kulturbezogenen Informationen. Kulturdaten unterscheiden sich als Daten betrachtet kaum von anderen Daten, jedoch durch das "Kulturwissen", das mit diesen verknüpft wird. Dies ermöglicht neue Formen des Zugangs, der Analyse oder auch der Visualisierung.

3) Welche weiterführende Literatur können Sie empfehlen?

Für einen "leichtgewichtigen" Einstieg in das Thema Linked Open Data:
C. Bizer, T. Heath, T. Berners-Lee: Linked Data - the Story So Far, Int. J. Semantic Web Inf. Syst. 5 (2009): 1-22. 

Für den, der tiefer in die Technologie einsteigen möchte:
P. Hitzler, M. Krötsch, S. Rudolph: Foundations of Semantic Web Technologies, Chapman & Hall/CRC, 2014.

Vorweg: Da bis 2028 für die Forschungslandschaft der Zukunft hier weichenstellende Dinge passieren werden, könnten Sie, um stets auf dem Laufenden zu bleiben (hier im Blog wird nicht jeder einzelne Schritt vorgestellt werden), sich einen Twitter-Account einrichten und dem ihre News auch via Twitter mitteilenden NFDI4Culture-Konsortium auf dem NFDI4Culture-Kanal folgen (@NFDI4Culture).

Was fällt auf? Neben sieben Fördereinheiten aus den Bereichen Biologie, Ökologie, Chemie, Medizin und den Ingenieurswissenschaften sind die Geistes- und Sozialwissenschaften mit zwei Konsortien vertreten (Abb. 1).

2 x Biologie
2 x Chemie
2 x Medizin
1 x Ingenieurwissenschaften
1 x Sozialwissenschaften
1 x Geisteswissenschaften

Der Stellengrad in der Relevanz digitaler Forschungsdaten für die Wissenschaft und einer übergreifenden, gemeinsamen Infrastruktur für die Forschungsdaten, neben der Förderantragsqualität, nicht die eigentliche gesamtwirtschaftliche Bedeutung bemessen auf das BIP, ein datengetriebener Stellengrad, so könnte man vielleicht sagen, bildet sich über die Auswahl der zu fördernden Bereiche ab: Die Geistes- und Sozialwissenschaften sind nämlich ordentlich vertreten, decken gemeinsam etwa 22,22% des Gesamtfördervolumens (76 Mio. Euro) aus Förderphase 1 (5 Jahre) ab.

Eine Menge kluger Köpfe zerbrach sich seit langem dieselbigen, in zahlreichen Zusammenkünften betreffend der Idee und Entwicklung einer Forschungsdateninfrastruktur auf nationaler Ebene und schließlich der Phase der Förderanträge. Konsens bestand darin, dass eine NFDI beträchtliche Chancen birgt. Diese mitzugestalten, war das Anliegen. Für die hier aufgeführten Förderbereiche ist dies für die Initialphase des NFDI-Projekts Wirklichkeit geworden.

Schön illustrieren die im steten Wechsel sich einblendenden Bilder auf der NFDI4Culture-Homepage (Abb. 3), welche Bereiche im einzigen geisteswissenschaftlichen Konsortium der NFDI zusammengeführt werden: Architektur, Kunstgeschichte, Musikwissenschaft, Theater-, Film- und Media-Studies.

Eine weitere Überraschung – neben den im Gesamt prozentual ordentlich vertretenen Geistes- und Sozialwissenschaften – lässt sich ausmachen, oder Sie haben es vielleicht schon bemerkt: Einige big player innerhalb der Geisteswissenschaften, und der Fakultäten Jura, Theologie, etc., werden von Förderung in der ersten Förderperiode nicht bedacht: die Literaturwissenschaft, z.B. Deren eigentliche Rolle, gerade in methodologischer Hinsicht, ist auf der deutschen geisteswissenschaftlichen Forschungsebene, traditionell einerseits und andererseits für die digitalen Geisteswissenschaften, nicht zu unterschätzen.

Theologie, Philosophie, Rechtswissenschaft – nö. Gab es bei den Juristen weniger Initiative? Man versteht es nicht. Hat Jurisprudenz geringeren forschungsdatenbezogenen Stellenwert? Ganz zu schweigen von den immer etwas fies "Orchideenfächer" genannten Kleinstfächern, die nicht gefördert werden, von den neu zu schaffenden und bereits geschaffenen Strukturen auf lange Sicht jedoch hoffentlich ebenfalls profitieren werden. Zu hoffen ist, dass integriert wird, weniger ausgeschlossen. Und von Seiten der Nichtbeteiligten, dass mehr kooperiert wird, sei es durch Rat und Kritik, als sich entzogen.

Eine "digitale Kunstgeschichte", in weiten Teilen Arbeit mit Daten sowie Datenwissenschaft, profitiert von der Förderung innerhalb der NFDI, und dies schon und gerade in der Initialphase, natürlich immens. Nichts Geringeres als Ausarbeitungen gemeinsamer Normdaten, Metadatenstandards und Hinarbeit auf weitere Standardisierung im Bereich der Forschungsdaten stehen auf der Agenda. Aller Stolz gebührt dem Projekt "Corpus der barocken Deckenmalerei in Deutschland (CbDD)" (CbDD-Homepage), über das hier im Blog noch berichtet werden wird.

Wir sehen im Planen einer Architektur für den weiteren Datenverkehr und Umgang mit Forschungsdaten die Möglichkeit, dass so Wege, ja ein Netz an Straßenverbindungen plus Verkehrsleitsystemen, entstehen, die befahren werden. Dass nicht wie bisher auch Trampelpfade, die grassroot-mäßig bottom up entstehen (versus der top down NFDI-Architektur), sich bilden und ungeheuer stark frequentiert werden, widerspricht dem nicht und ist zu wünschen. Der Aufbau der Architektur ist also nicht mehr oder weniger theoretisch als Planung und Bau von Verkehrsstraßen, an denen stetig noch gebaut wird, während sie längst befahren werden.

Dem Prinzip sogenannter "FAIR"-Daten verpflichtet, können über die neue Forschungsdateninfrastruktur auch neue forscherische Wege beschritten werden, ja die Struktur, ihr Rahmen, sollte der Referenzpunkt der mit Daten arbeitenden Wissenschaften in Deutschland werden, auf lange Sicht. Das Prinzip der FAIR-Daten gewährt die Anschlussfähigkeit der Forschung, die Auffindbarkeit der Daten, die Zugänglichkeit, Interoperabilität und Wiederverwertbarkeit der Daten ("findability, accessibility, interoperability, reusability").

Schwierig, aber das ist ja nichts Neues, sind die Aspekte (1) der nationalen Ebene, und, wie immer, (2) die Begrenztheit der Förderdauer (Gesamtzeit: 2020-2028). (1) Denn, es versteht sich, man würde zu entwickelnde und erfolgreich eingeführte Standards gern zügig ins Internationale tragen oder international, länderübergreifend entwickeln. Gerade für Forschungsdaten, bei denen die "language barrier" keine Rolle spielt, die also nicht mit Schwierigkeiten durch sprachliche Übersetzungen zu hantieren haben (im Extrem das Unübersetzbare), ist das Internationale als Perspektive nicht nur reizvoll, sondern naheliegend und sinnvoll, der Natur des Digitalen ist es ohnehin inhärent. (2) Zudem macht ein Wissen um die Begrenztheit der Förderdauer aus den Bestrebungen eben "Projekte".

Man kann den geförderten Konsortien der Nationalen Forschungsdateninfrastruktur alles Gute und viel Erfolg wünschen, bei allem Visionären die erforderliche Umsicht, und gratulieren!
 

Der Großteil des Konjunkturpakets ist vorgesehen für die Förderung - Erhalt und Stärkung - der Infrastruktur der Institutionen sowie für Nothilfen. Der Aufrüstung der Einrichtungen für ihr reopening wird ein Viertel der Gesamtfördersumme zugesprochen. Sehr interessant, und von Andreas Kilb in "Ein Geschenk, aber wofür?", in: F.A.Z. v. 5.6.2020, S. 11, zu Recht als das Zukunftsträchtige angesehen, ist die Förderung „alternativer, auch digitaler Angebote“. Hier findet sich das Experimentierfeld. Geld für Innovation. Hier erhält das Neue die Chance. Das Digitale hätte eigens als Möglichkeit alternativer Angebote der Kultureinrichtungen nicht subsumierend erwähnt werden brauchen. Der Hinweis auf das Digitale dient der Verdeutlichung, ist ein Wink. Ein Teil der neuen, verglichen mit den bisherigen, traditionellen Angeboten, alternativen Dienste und Leistungen wird sich genuin digital aufstellen.

Die „Weichen auf Zukunft“ zu stellen sei laut Staatsministerin Grütters die Intension des Hilfsprogramms. Es heißt „Neustart Kultur“. Neustart? Das kulturelle Leben sei seit der Zeit der kollektiven Quarantäne erlahmt oder, im Fall von Schließungen, zwangserloschen oder kaum noch am Laufen. Nun gelte: neuer Start, neue Taktung.

Nebenher ist freilich, alternativ, für einige Bereiche, wie die Musikszene, auf gewissen Wegen das kulturelle Leben weder vollständig eingeschlafen noch erloschen, sondern treibt, auch unter Corona-Bedingungen sich fortsetzend, neue Blüten.

Die virtuelle Konzerthalle und die virtuelle Museumsführung werden von Grütters im Pressetext schließlich, neben der online-Lesung mit Chat-Elementen, als Exempel für den Bau neuer Wege, Plätze und Orte für den Kreis des Publikums angeführt. Nur Mut!

Zu den Förderanträgen

Weitere Information unter: www.neustartkultur.de

Kontakt: info (at) neustartkultur.de

Pressemitteilung 195 der Bundesregierung vom 04.06.2020

Die Maschine bekommt Einbildungen. Ein-gebildet hat es ihr der Mensch. Der hier gemeinte bias, die Voreingenommenheit/Schieflage/„Linksdrall“ der Maschine, besagt, dass ein – je nach Forschungszusammenhang – unzureichend zusammengestelltes Datenset selbst nach intensiver Arbeit (Training, deep learning) wiederholt falsche Ergebnisse zeitigt. Diese werden auch nicht richtiger, wenn noch mehr trainiert wird.

Wer stets und immer wieder zu Matisse arbeitet, wird seine Expertise hingegen wohl entfalten und den falschen Matisse gerade identifizieren. Das Auge ist zunehmend geschult. Der Blick, er baut auf auf kunsthistorischem Wissen. Das Dazulernen geschieht in der permanenten Konfrontation mit dem Nicht-Matisse. Die Kenntnisse erweitern sich bis hin zu einem Verständnis vom frühen, späten, untypischen Matisse. Aber wer stets und immer wieder das Dürer-Monogramm vor Augen hat, wird er eines Tages, leichtfertig, das Monogramm vorschnell „abnicken“, obwohl es gefälscht ist? Das ist, beim Kunsthistoriker wie bei der Maschine, eine Frage der Prägung.

Wenn die Maschine stets und einseitig mit Tumorbildern gespeist wird, kann es passieren, dass sie Tumore identifiziert, wo keine sind. Die Maschine halluziniert. Dysfunktional ist die wahnsinnige Maschine genau dann, wenn es ihr alleiniger Sinn sein soll, Tumore mit der Treffsicherheit des ausgefeiltesten Mediziners und noch darüber hinaus zu diagnostizieren.

Die Mittelbauer lachten. Einer blieb ernst.

Die Geschichte ist weiterzudenken. Die Bürger verabreden sich beim Dorfwirt. Alois kommt ständig zu spät. Er hat seine Uhr nach der Kirchturmuhr gestellt. Selbst Alois, der seine Uhr beharrlich nach der Kirchturmuhr stellte, wird seine Uhr nun auch an der Bahnhofsuhr ausrichten. Oder an den Uhren der Mitbürger, und vermittelt über diese an der Bahnhofsuhr.

Auch die beharrlichsten, nahe der Kirche lebenden, ihre Uhren schon immer an der Kirchturmuhr ausrichtenden, öfter auf die Kirchturmuhr als auf die private Uhr sehenden Bürger beginnen nach und nach, ihre Uhren an der Bahnhofsuhr auszurichten. Sie haben einfach zu oft den Zug in die Stadt verpasst.

Irgendwann wird der Küster der Kirche die Kirchturmuhr verstellen. Auf die Zeit, die an der Bahnhofsuhr abzulesen ist. Die Kirchturm- und die Bahnhofsuhr gehen nun wieder im gleichen Takt. Wer aber sich an wem auszurichten hatte, wissen die Beteiligten.

Zur Zeit orientiert sich viel am Digitalen. Was ist digital schon da, digitalisiert oder digitalisierbar. Welche Prozesse sind ins Digitale übersetzbar, flexibel anpassbar, welche entziehen sich. Elemente etwa der Lehrveranstaltungen werden behutsam übersetzt.

Kommunikation, Information und Aufklärung organisieren sich zuletzt vermehrt digital. Wissensdistribution erfolgt zunehmend digital. Diskussionen finden öfter digital statt, als früher. Für weitere Bereiche menschlicher Interaktion gilt dies ebenso. Eine neue Taktung zieht ein in das Betriebsleben vieler Institutionen: die Ausrichtung der Prozesse und Prozeduren am Digitalen.

Die Aufgabe der digital humanities kann hierbei sein: Wissen um die Schwierigkeiten und Chancen durch die digitale Transformation einzubringen, beratend und unterstützend zu agieren, und den langen Atem zu bewahren. Beizutragen, dass manch einer der nicht genuin digitalen Mechanismen, in Rückbesinnung auf das Analoge, seinen Ursprung nicht vergisst.

Die Poesie zieht wieder ein in die Gesten und Bewegungen der Menschen. Zwei Freunde reparieren gemeinsam einen Reifen, in ruhiger Konzentration, ohne Hektik, stresslos. Ein Mädchen liest. Einer hält eine Frucht, hält sie ein wenig länger, wiegt sie noch ein wenig in der Hand. Jemand hantiert mit etwas und stoppt, aber nicht, um die U-Bahn noch zu erwischen, sondern, um den Arm des Plattenspielers in eine andere Rille zu legen.

Man fährt mit den Augen ab einen Ast in der näheren Umgebung, den man seit 10 Jahren auf diese Weise hätte nachzeichnen können – man tat es nicht. Ein Paar spielt miteinander Schach. Man hat es längere Zeit nicht miteinander getan. Seit die Frau den Mann besiegte, 1994. Seelenruhe zieht ein. Man sortiert etwas, öffnet Schubladen, beginnt zu basteln. Man hängt ein Bild um. Hängt alle Bilder um. Jedes Lächeln ist echt.

Wer Verwandte/Freunde in der sogenannten Risikogruppe hat, fühlt Sehnsucht, Leid, Liebe. Man darf sie nicht besuchen/umarmen (gemäß § 28 IfSG). So schreibt man sich ein in den Kreis des Lebens, aus dem man stammt (Die Lebensalter, Abb. 1). Man ist z.B. (wieder) Enkelkind, Großvater, Sohn. Italien verliert eine ganze Generation. Der zweithäufigste Suchbegriff mit dem Anfangsbuchstaben „B“ vor acht Tagen bei mir im Viertel war „Bestatter“.

Die Kunst der Deutschrömer kommt in den Sinn: eigentlich Zivilisationsflüchtlinge, vermeintlich retrograd, super italophil, in ihren Werken herrscht wieder – kein blanker Realismus, kein Naturalismus vermochte sie auszumerzen – die „Idee“ und die Poesie. Viel Ruhe, Stillstand. Es ist kein naives Ideal, sondern eine reflektierte Idealität, eine nach dem Prozess der Entfremdung in sich zurückgefundene, gesuchte und vermittelte. Zuvor war sie gebrochen, oder ist es noch. Das heißt, dass auch Melancholie und Ironie an der Stelle sind.

Das Ideal lässt sich versuchsweise auch formal fassen, definieren und artikulieren. Nun kommt die digitale Kunstgeschichte ins Spiel, um die es hier geht:

Mit den Topoi von Nichtstun, Pausieren und Müßiggang, der „Generalpause“ also, ideengeschichtlich assoziiert ist die Vorstellung eines Goldenen Zeitalters spätestens seit der Frühromantik. [1] In zahlreichen Versuchen ins Bild gefasst hat Hans von Mareés die Idee des Goldenen Zeitalters.

Für eine der Rötelskizzen (Abb. 3) lässt sich durch Farbmessung im Rotspektralen eine nahezu ideale binnen-geographische 3-er-Rhythmik definieren (Abb. 4; semantisch: Kopf des Jünglings am Baum und Zone um diesen Kopf – Köpfe des Greises und Kindes und Zone um diese Köpfe – Kniekehle des Greises): Stellen, an denen Rötel kumuliert, die vergleichsweise stärkeres Rot im Bild aufweisen und im digitalen Messverfahren höhere Rotfrequenzen erzielen.

Das heißt, der Künstler, das Ideal suchend und skizzierend, erwirkt in eigenartigem 3er-Takt an drei Stellen des Blattes Rotkumulation. Max Imdahl schrieb von der „Spur einer Gebärde“ im Zeichnerischen, vom „Sichtbarkeitswert von hoher Sensibilität“ des Gezeichneten, der Zeichnung als „direkte[r] Spur einer Handbewegung“ und mit dem, von Schopenhauer beeinflußten Einfühlungstheoretiker Theodor Lipps, „dass eine Linie ihren Charakter der Hand verdankt, die sie gezogen hat.“ (1988) [2] Die Linie des Zeichners als Spur seiner Gebärde. Hier hat Imdahl vermutlich (auch) über sich selbst geschrieben. Es war sein letzter Text. Die Linien und Zeilen, das Hinterlassene = Spuren der lebendigen Gebärden für die die Linien Nachfahrenden, die Nachfahren.

Die Maschine nimmt, neben dem Farbwert, im „Sichtbarkeitswert“ somit auch den Zeitwert und Kraftwert der Linien numerisch auf. Das Rötere, mit mehr Hämatit/Rötel/Rot, stammt aus zeitlich längerem Hantieren, unter dem Einsatz von mehr δύναμις (Aristoteles).

Es zeigte sich, dass eine Rhythmik intensiveren Rots besteht. Das heißt, der Künstler verwendet rhythmisch an drei Bildstellen mehr Rötel, die Hand führt intensiver, mehr Kraft, mehr Zeit wird an diesen Stellen aufgebracht, es entstehen andere Werte durch RedcolorTool-Messung als bei Stellen weniger intensiver Zeichnung. Es gibt mehr Rötel, mehr Rot, höhere Rotfrequenzen. Ein Dreiklang im Simultanen, wie ein Akkord der Musik. (Die 3er-Symbolik wird in der finalen Version des symbolistischen Werks auf unterschiedliche Weise thematisch und formal beibehalten werden.)

Die Maschine diversifiziert an Stellen, bei denen der Blick nicht mehr unterscheidet. Dem Begriff nach sind alle Bildstellen der Rötelzeichnung „gleich rot“.

Im Monochromen nach Farbunterschieden zu suchen, wäre für den traditionell verfahrenden Kunsthistoriker methodisch Nonsense. Der Rötel wird einmal identifiziert, fertig. Das „Feld“ in der imaginären relationalen Datenbank wird abgehakt.

Die Numerik der Mathematik und Informatik hilft an dieser Stelle, Farbwerte werden im digitalen Bild zu Zahlwerten. Die Quantifizierung gestattet den Vergleich einzelner Pixel. Unterschiedliche Messverfahren lassen sich vornehmen, die Ergebnisse der Messungen für die bestehenden Digitalisate, die digitalisierten Versionen der originalen Bilder, vergleichen. Im Komparativen leistet die Maschine die Ergänzung des Augensinns. Über ein Kunstwerk lässt sich nun mehr aussagen.

Ein weiteres Beispiel:

Das Bild „Paolo und Francesca“ (Abb. 5) von Anselm Feuerbach evoziert den Moment, in dem das Paar aufhört zu lesen, und im Übergang soeben zum Nächsten sich befindet / Lesepause.

Dante Alighieri schreibt zur Geschichte von Paolo und Francesca in der „Göttlichen Komödie“ (29–30):

    „Wir lasen eines Tages zum Vergnügen
    Von Lanzelot, wie Liebe ihn umstrickte,
    Allein und unbeargwohnt waren wir.
    Oft hieß des Buches Inhalt uns einander
    Scheu ansehn und verfärbte unsre Wangen;
    Doch nur e i n Punkt war´s, welcher uns bewältigt.
    Denn als wir, wie das langersehnte Lächeln
    Von solchem Liebenden geküßt ward, lasen,
    Da küßte, dem vereint ich ewig bleibe,
    Am ganzen Leibe zitternd, mir den Mund.
    Zum Kuppler ward das Buch und der´s geschrieben.
    An jenem Tage lasen wir nicht weiter. – – “ [3]

Das Bild evoziert z.B. jene Pause: „An jenem Tage lasen wir nicht weiter. – – “ [Z. 12]

„Doch nur e i n Punkt war´s, welcher uns bewältigt.“ [Z. 6]: Der Punkt ist die Pause der Schrift.


 

Phallisch aufgefasst hat Gemälde von Feuerbach zuletzt Daniel Kupper 2005. [4] Hier beschrieb er ein Porträt von Nanna, Feuerbachs bevorzugt in Italien abgebildetem Modell, und das einzige Attribut, Nannas Fächer (zum Gemälde), die phallische Lesart bezieht sich auf die einzelnen Glieder ihres vielgliedrigen Fächers. [3]

Im Rotspektralen erscheint das Bein des Mannes in „Paolo und Francesca“ (Abb. 5), das im Sitzmotiv erotisch konnotiert ist (vgl. z.B. die Darstellung bei Jörg Träger, Goya. Die Kunst der Freiheit, München 2000, zur Historie der sexuellen Symbolik des Beinkreuzens im Genre Paarbildnis), als überdimensionaler Phallus (Abb. 6). Zusätzliche sexuelle Symbolik findet sich im Halten des Fingers zwischen die Seiten des Buchs.

Der Blick und der begrifflich identifizierende Zugriff auf das symbolistische Bild identifizierten die Farbe Rot für Paolos Hut. Durch die Situierung von Rot nahezu auf der Mittelachse der Leinwand erhält die Komposition Stabilität. Paolos Bein aber wäre bei der Beschreibung des Motivs durch Farbbegriffe (Farbnamen) nicht sogleich durch seine Rotwerte aufgefallen. Das Bein ist allenfalls etwas rötlich, „rot“ aber, dem Farbbegriff nach, ist Paolos Barett.

Ein digitales Instrument zur Farbmessung in Bildern erfasst die Farben der einen Möglichkeit nach im metrischen Skalenniveau, ohne Nominalskala (zur Technologie des hier verwendeten Messverfahrens siehe Rot rechnen, Abschnitt „Technologie des Redcolor-Tools“). Die Farbbegriffe, mit denen wir als Kunsthistoriker*innen sprachlich verfahren, liegen „nur“ dem Wort/Namen nach diskret, Farben der Sache nach jedoch kontinuiertlich vor. Hierin liegt die Herausforderung für jegliche maschinelle Annäherung an den Farbkosmos, welche die sprachlichen Farbbegriffe nicht ausklammert. Die Lösung des RedcolorTools verwendet die Zahl als Instrument, setzt für den Farbwert (jeweilige Entfernung von maximal wahrnehmbarem Rot) als Substitut die Zahl.

In der auch das Farbige berücksichtigenden Betrachtung des symbolistischen Bildes des Deutschrömers Feuerbach gäbe es somit ein rotes Barett, betonend das Denken, die ratio, subversiver, im Errötungsprozesse, ganz rechts im Bild, also dem Zukünftigen zugeordnet, ertönte als das Irrationale der Trieb. Paolo also hätte die geliebte Francesca nicht nur durch seine Körperhaltung, sondern auch durch Rot-(Energie-) Werte farblich umfangen.


 

Die Kunst der Deutschrömer evoziert das Ideal eher, als dass sie es offenkundig aufzeigte. Beinahe müsste man sage „ein Ideal“ statt „das Ideal“, denn Eindeutigkeit ist ersetzt worden durch eine Vielfalt an Verweisfiguren. In seiner jeweiligen, subjektiven Versenkung ist dem Betrachter für die Weile dieser Vertiefung eine Welt der Poesie, Ironie, des Humors und des Schönen in der Spätromantik eröffnet.

Das Gefühl, dass etwas vorbei ist (und Momente der Erinnerung, wie in „Ricordo di Tivoli“, Abb. 7), zum Beispiel, kennt nicht nur unsere Zeit. In der Münchener Sammlung Schack (vielleicht wird es Ihr Münchener Lieblingsmuseum) beispielsweise können Sie selber vor den Originalen in ästhetischer Kontemplation Stimmungen aufnehmen, die auch sicherlich etwas haben von einer „Pause“. – Und solange die Sammlungen geschlossen sind (auch die Berliner Nationalgalerie und viele weitere Museen haben die Deutschrömer Mareés, Feuerbach und Böcklin in ihrem Bestand), werte/r Leser/-in, werden Sie den Weg über die Internetseiten finden.

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Stichwort Rekreation: Finden Museen, Bibliotheken, Archive zur Rekreation in der Generalpause ihres einstmaligen Betriebslebens? Werden die Leute fortan hinter jeder Buchseite, jeder normalen (analogen) Eintrittskarte, jeder Türklinke die Viren fürchten?

Viele Kulturinstitutionen, -betriebe und -organisationen nutzen die Zeit der Quarantäne bereits zur Rekreation – strukturell und inhaltlich. Strukturell heißt, dass man sich „für das Digitale“ „aufstellt“ (insgeheim werden mehrere Phasen eines allgemeinen Lockdowns erwartet, man wähnt sich in Phase 1). Inhaltlich heißt, dass man eigene „Angebote“ nun verstärkt von der Idee eines digital an die Öffentlichkeit angeschlossenen, im privaten Heim sich aufhaltenden Interessenten/Nutzers aus konzipiert.

Die kleinen Buchhandlungen, der kleine Einzelhändler, was machen sie? Die Giganten im Digitalen, welche Pläne verfolgen sie generell und welche schmieden sie jetzt?

Welches Publikum erreichen Kulturveranstalter auf welche Weise im Digitalen?

Was wird aus dem Komplex Schule, Bildung, Unterricht? In welche Richtung entwickeln sich die Universitäten?

Aus der Zeit vor Corona ist bereits die „alte“ Zeit geworden. Aus dem früheren Betriebsleben der Institutionen ist ihr altes, ehemaliges, einstmaliges Leben geworden. Es ist das „Leben von früher“ geworden.

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Die Generalpause. Sie ist die allgemeine Stille des gesamten Orchesters. Nach ihr hebt ein neuer Ton an. Es ist der Mittagsschlaf der Nation 2020, die noch keine Pläne für den Abend hat. Ein wirtschaftlicher Stillstand, vom Staat eingeleitet, nachdem die Wissenschaft zu Wort kam. Die Generalpause dient dem Schutze der Menschheit. Irgendwann, nach dieser Zeit, finden die Menschen, durch jene Zeit, zur neuen Taktung.

[1] Friedrich Schlegel: Lucinde. Ein Roman, hg. von Karl Polheim, Stuttgart 1964 [1799], S. 31–32:
„ „Sieh ich lernte von selbst, und ein Gott hat mancherlei Weisen mir in die Seele gepflanzt.“ So darf ich kühnlich sagen, wenn nicht von der fröhlichen Wissenschaft der Poesie die Rede ist, sondern von der gottähnlichen Kunst der Faulheit. [...] „O Müßiggang, Müßiggang! du bist die Lebensluft der Unschuld und der Begeisterung; dich atmen die Seligen, und selig ist wer dich hat und hegt, du heiliges Kleinod! einziges Fragment von Gottähnlichkeit, das uns noch aus dem Paradiese blieb.“ “

[2] Max Imdahl: Zu einer Zeichnung von Norbert Kricke (1988), in: Max Imdahl. Gesammelte Schriften, Bd. 1, Zur Kunst der Moderne, hg. von Angeli Janhsen-Vukicevic, S. 539–546, hier S. 543.

[3] Dante Alighieri: Die Göttliche Komödie, 29–30:
„Wir lasen eines Tages zum Vergnügen
Von Lanzelot, wie Liebe ihn umstrickte,
Allein und unbeargwohnt waren wir.
Oft hieß des Buches Inhalt uns einander
Scheu ansehn und verfärbte unsre Wangen [röter, WP];
Doch nur e i n Punkt war´s, welcher uns bewältigt.
Denn als wir, wie das langersehnte Lächeln
Von solchem Liebenden geküßt ward, lasen,
Da küßte, dem vereint ich ewig bleibe,
Am ganzen Leibe zitternd, mir den Mund.
Zum Kuppler ward das Buch und der´s geschrieben.
An jenem Tage lasen wir nicht weiter. – – “

[4] Daniel Kupper: Anselm Feuerbach „Nanna mit Fächer“. Zur Entstehung eines Erotikons, in: Jahrbuch der staatlichen Kunstsammlungen in Baden-Württemberg, Berlin 2005, S. 117–138.

Ihre Ankunft war den 29. März offiziell bekannt gemacht worden, und da dieses der Tag des Demi-Carême und das Wetter sonnig und lieblich war, so tummelten sich die Pariser um so lustiger auf den Boulevards, wo man sogar Masken erblickte, die, in karikierter Mißfarbigkeit und Ungestalt, die Furcht vor der Cholera und die Krankheit selbst verspotteten. Desselben Abends waren die Redouten besuchter als jemals; übermütiges Gelächter überjauchzte fast die lauteste Musik, man erhitzte sich beim Chahût, einem nicht sehr zweideutigen Tanze, man schluckte dabei allerlei Eis und sonstig kaltes Getrinke: als plötzlich der lustigste der Arlequine eine allzu große Kühle in den Beinen verspürte, und die Maske abnahm, und zu aller Welt Verwunderung ein veilchenblaues Gesicht zum Vorscheine kam.

Man merkte bald, dass solches kein Spiel sei, und das Gelächter verstummte, und mehrere Wagen voll Menschen fuhr man von der Redoute gleich nach dem Hôtel-Dieu, dem Zentralhospitale, wo sie, in ihren abenteuerlichen Maskenkleidern anlangend, gleich verschieden. Da man in der ersten Bestürzung an Ansteckung glaubte und die ältern Gäste des Hôtel-Dieu ein gräßliches Angstgeschrei erhoben, so sind jene Toten, wie man sagt, so schnell beerdigt worden, dass man ihnen nicht einmal die buntscheckigen Narrenkleider auszog, und lustig, wie sie gelebt haben, liegen sie auch lustig im Grabe."

Heinrich Heine, Französische Zustände, 1832, Heinrich Heine. Sämtliche Schriften, hg. von Klaus Briegleb, Bd. 3., München 1996, S. 169–170

Der plötzliche Ausbruch der Cholera 1831 auf einem Pariser Maskenball übermittelte sich in Berichten und Erzählungen, so auch durch den stärksten Seismographen des Krisenhaften und des paradoxen Schreckens Heinrich Heine. Rethel fasst die Essenz der Schilderung ins Bild (siehe Abb.): Der Tod als Knochenfidler. Die Personen: Gerade tanzend, schon tot. Im Narrenkostüm, mit Karnevalsmasken. Wo Tanz stattfand, herrscht Todesgrauen. Wo Freude, Ausgelassenheit regierte, waltet die unerbittliche Macht der Massenseuche.

Lustige Leichen: Eine Lachmaske birgt ein Totengesicht. Über einer Frauenleiche liegt die Blumengirlande der Festtänzer. Der Harlekin bricht sterbend gekrümmt zusammen, elend verendend, jäh aus dem Leben gerissen. Musiker im Hintergrund fliehen, in panischer Aufruhr, das blanke Grauen vor Augen. Gebieterisch thront im Mittelgrund das Gespenst der Seuche im Flammenmantel mit Geißel. Einst war der fidelnde Tod maskiert. Die Maske trägt er nun lässig über dem Arm. In der Manier mittelalterlicher Totentänze spielt Freund Hein die einzige jetzt geltende Melodie.

1847, im Jahr vor der Märzrevolution 1848, wirft Alfred Rethel flüchtig, per Bleistift, seine Erfindung aufs Blatt. Erst die Fassung für den Holzschnitt, die Gustav Steinbrecher liefert, nachdem die Grauen der Revolution vorüber sind und die unmittelbaren Folgen für die Bevölkerung spürbar werden, ermöglicht die massenhafte Verbreitung des Bildes. Der "Fidelnde Tod" steht damit in einer, bereits im Mittelalter beginnenden, Tradition der Verbreitung von graphischen Blättern zu Tod und Seuche, in der in Frankreich zuerst nachzuweisenden, paradox-skurrilen Kategorie des "Totentanzes" (frz. Danse macabre). Dass Heines Zeilen Rethels Zeichnung inspirierten, wurde vermutet. Wie wirkt das Blatt? Dem heutigen Auge ist das Allegorische der Personifikation wohl fremder, als Heines Text.


[Fortsetzung folgt]

Akademie ohne Diskurs? Münden Thruns Realisierungen teils kommerzieller Online-Kursangebote in blankem „Service“? Udacity: ein Service-Unternehmen? Populär wurde die digitale Universität ursprünglich durch frei für alle online zugängliche Lehrangebote, offen auch für Personen ohne Schulabschluss. Der Hit waren die 2011 startenden, von Thrun gemeinsam mit dem Stanforder Kollegen Peter Norvig abgehaltenen, frei für alle zugänglichen Kurse zur Künstlichen Intelligenz. Kostenfrei ist bei Udacity heute längst nicht mehr alles.

Diskurs und freier Austausch von Gedanken sind Nukleus der Tradition der Akademie nach abendländischem Vorbild. Der gegenseitige Austausch des Intellekts, ein Lehren und Lernen im Kreis anderer, in Zusammenkunft. Die Prinzipien Rede-Gegenrede, Frage-Antwort, Für-Wider leben in den Seminaren nicht zuletzt an deutschen Universitäten. Das Prinzip Frontalunterricht, das aus Lernenden, Studierenden (erstmal) passive Zuhörer (Konsumenten) und aus dem Lehrenden den starr übergeordneten Präzeptor (Advisor) werden lässt, ist jedoch wesentlich leichter in Online-Kurse übersetzbar. Elemente des Interaktiven, vor allem aber des Unvorhergesehenen, Ungeplanten, gar des Widerstands und der Kritik, des Spiels oder der (z.B. pädagogischen) Ironie sind komplizierter zu programmieren bzw. nicht programmierbar.

Der Diskurs und der freie Austausch der Gedanken seien gemäß Informatiker, KI-Experte und online-university Betreiber Thrun also „nach wie vor“ Domäne der regulären Universitäten. So weit, so gut. Nur: Wir sind in Zeiten der Pandemie. Also stellt sich die Frage: Wie? Was lässt sich online und digital transportieren, wie gedeihen Elemente von Interaktion, Kultur der Kritik, gar das Spielerische und Möglichkeiten, zu bilden und nicht nur anzuleiten/vorzustehen?

Die Kunstgeschichte zählte mit Lehrangeboten wie der Schule des Sehens zu den Vorreitern digitaler universitärer Lehrmodule. Zu Beginn des Jahrtausends, 2002, startete es. Diese alten Internetseiten zu durchblättern hat heute auch medienarchäologischen Charakter, schnell werden dabei die damaligen Rahmenbedingungen zu digitalen Lehrveranstaltungen/-modulen ersichtlich. Doch heute stellen sich unter völlig neuen technologischen Voraussetzungen all diese Fragen noch einmal neu. Und die Kunstgeschichte steht nun, am Beginn dieser pandemischen Krise, wirklich - so das Motto des nächsten Kunsthistorikertages - bei Formfragen. 

Eine Reihe selbsterklärter Info-Plattformen, nützliche Linksammlungen und verschiedene Foren des Austauschs zur Lage der digitalen Lehre sprießen seit ein paar Tagen, international vernetzt, aus dem Boden (alles online). Auf den Punkt gebracht hat den Stand der Lage gestern die Professorin Honor Sachs:

„Can we PLEASE stop calling what we are doing „ONLINE TEACHING“ already?

We are not „online teaching.“ Why? Because we would never teach online courses unless we knew how to teach online courses.

We are crisis-driven-global-pandemic-emergency-response teaching. Big difference.“

Das ist der Stand der digitalen, universitären Lehre 2020 zu Zeiten des Coronavirus. Was die rein, also zu 100% digitale Zusammenarbeit und den rein digitalen Austausch mit Arbeits-/Studienkollegen*innen betrifft, folgt hier abschließend diese getwitterte Bemerkung von Redakteur Jakob Rondthaler (@jakob_ron, Tweet vom 18.03.2020):

„Termine als TelKo sind kein Problem, aber wie kickert man remote?“

Lebendiges Zusammensein beinhaltet Möglichkeiten zu echtem Spiel, ohne Schwierigkeiten. Kickern unter Kollegen ist algorithmisch nachbildbar, aber digital nicht vollständig ersetzbar. Die vollständige Akademie geht eben auch in den Pausen zwischen den Veranstaltungen weiter und wird nicht abgeschaltet. Man atmet dieselbe Luft, weilt, lebt ein wenig untereinander.

Buchempfehlung: Johan Huizinga: Homo Ludens. Vom Ursprung der Kultur im Spiel, Hamburg 1956

Die bayerischen Staatsgemäldesammlungen zum Beispiel, die zunächst bis einschließlich 20.4.2020 ihre Häuser geschlossen haben werden, formulieren (siehe Internetseite) wie folgt:

„Geöffnet und aus aller Welt zugänglich bleiben unsere Angebote im digitalen Raum. Folgen Sie uns in den sozialen Medien auf FACEBOOK, TWITTER oder INSTAGRAM, gucken Sie unsere #KUNSTMINUTE und weitere Filme auf YOUTUBE, lesen Sie in unserem BLOG, stöbern Sie in unserer ONLINE-SAMMLUNG und erkunden Sie unsere DIGITALE STRATEGIE.“

Für den ersten Zugriff ist das freilich eine rechte Staffelung an Angeboten/Aufforderungen, der Nutzer/Kunstinteressierte wird aber wohl auf seine Kosten kommen und kann aus einem reichen Angebot wählen. All dies ist von zuhause aus möglich.

Von Solidarisierung und Versuchen zu Hilfsangeboten geprägt sind in der Initialphase einer in der Form nicht erlebten, und in der Weise beispiellos (digital) kommunizierten Pandemie erste Aktionen der Beteiligten des Kulturbetriebs. Die Münchener Kulturkonsorten informieren beispielsweise bereitwillig (per E-Mail) zu Möglichkeiten eines digitalen, durch Computertechnologie ermöglichten Live-Streams von Veranstaltungen, Präsentationen und Ansprachen.

Hashtagosoph Christian Gries führt zum Thema „Digitale Angebote von Museen“ in Zeiten des Coronavirus via Twitter den Hashtag #DigAMus ein (durch einen Tweet). Über diesen Link - #DigAMus - ist erste Information, aber auch Einsicht in ungeheures kreatives Potential, möglich.

Der Kunsthistoriker Max Westphal hat, ebenso via Twitter, heute aktuell kursierende Hashtags zum umfassenderen Thema Kulturbetrieb plus Corona zusammengefasst:

Zugänge nicht nur zu Museen, sondern auch zu Bibliotheken, Archiven, Universitäten und weiteren Bildungseinrichtungen, und zu Orten des kulturellen Lebens wie zu Konzertsälen sind bis auf weiteres (häufig lautet der Stichtag 20.4., das Ende der Osterferien) offiziell reglementiert und in der tradierten Form nicht möglich.

Etwas konnte der Eindruck entstehen, Mitarbeiter*innen der Museen hätten besonders behende und am vehementesten auf digitale Lösungsangebote in Zeiten von Corona gepocht.

Der Wissenschaftsbetrieb wird sich über Angebote wie Jitsi für Besprechungen und Sitzungen organisieren - sofern, vorgeschrieben bei Tätigkeit im öffentlichen Dienst, bei Nutzung der ausgewählten Services datenschutzrechtliche Bestimmungen nicht entgegenstehen. In welcher Form und bis zu welchem Ausmaß Lehrveranstaltungen digital abgehalten werden könnten, wird diskutiert.

Empfehlungen wurden ausgesprochen zum Videokonferenzdienst im Wissenschaftsnetz des Deutschen Forschungsnetzes DFN und zu Angeboten für Video- und Webkonferenzen des Leibniz-Rechenzentrums LRZ. Zudem sei Adobe Connect unter bestimmter Konfiguration der Privatheit-Einstellungen mit den datenschutzrechtlichen Erfordernissen im Rahmen der Erfüllung von Dienstaufgaben vereinbar.

An Bücher, Forschungsgegenstände kommt man je nach Grad von deren Digitalisierung/Digitalität heran.

In Stunden der Angst um Betroffene oder Trauer um Opfer erreicht einen, unverhofft, Musik von Ausnahmetalent Levit digital .

Künstler*innen erhalten unter folgendem Link Informationen zu einer ihre Interessen offiziell vertretenden Petition, die zur aktuellen Stunde ihr Ziel von 200.000 Unterstützenden zu 95% erreicht hat. Auch diese Petition organisiert sich, wie alle im Beitrag angeführten Aktionen, über das Word Wide Web.

Hiermit würde ich Sie gerne einladen, weitere Hinweise und Möglichkeiten zur Information für Betroffene hier unter dem Blogbeitrag zu kommunizieren oder durch einen Kommentar hier unter diesem Blogbeitrag Ihre Erfahrungen und Vorschläge zu teilen.

Das Feiern / die Feier seines eigenen Geburtstags malte Franz Stuck im Jahr 1913 auf eine Weise (Abb. 1), die subtil den Heros des Gefeierten ins Zentrum der Disposition rückt. Einzeln thront dieser auf dem Balkon, nahezu in der Mitte des Bildquadrats als dunkle Figur erscheinend, auratisch von Licht umfangen. Die Kluft zwischen Gefeiertem und Feiernden bestimmt das Bild.

Der „Mensch“ – die Daten der digitalen Anwendung zur Bildannotation Artigo („Mensch“ als Annotation zum Gemälde Stucks) weisen hierauf – der Einzelne auf dem Balkon, bestimmt motivisch die Szene. Eine Masse an Feiernden ist zu sehen, deren „Gemeinschaft“ wird begrifflich von den Bildbetrachtern nicht erfasst. „Schwarz“, „rot“ und „gelb“ vergeben die einzelnen Tagger als Annotationen für das Gemälde, der Glanz der goldenen Farbe rückt kaum ins Augenmerk, bleibt begrifflich unerfasst.

Dem Feiern bei „Richmond Hill, am Geburtstag des Prinzen“ (Abb. 2) widmete sich malend William Turner etwa 100 Jahre zuvor. Der Künstler zeigt den Gefeierten und die Feiernden als einheitliche Menge, ja diese sind optisch gerade nicht zu scheiden. Wählte Stuck das Prinzip der pyramidalen Disposition, das den Gefeierten von der feiernden Menge abhebt und trennt, so zeigt Turner das Feiern in Gemeinschaft, das sich bildkantenparallel horizontal in die Wärme der Landschaft fügt.

Die „Menschen“ sind es hier, nicht der einzelne „Mensch“, die thematisch das Bild bestimmen. Die Artigo-Daten erfassen für dieses Gemälde begrifflich die Menschen im Plural und immer wieder auch: die „Gesellschaft“, „Zusammenkunft“, „Gruppe“, „Begegnung“, das „Zusammen“. Die Härte, Dominanz und Klarheit der Farben „schwarz“, „rot“, „gelb“ fehlt nun, gemäß Tagging-Verhalten. Farblich aber legt sich glänzend über das Glück der Feiernden an diesem Tag das – immer wieder laut Tagging-Verhalten auch begrifflich erfasste – Gold.

Weitere binäre Oppositionspaare (neben „Mensch / ¬ Mensch“, „¬ Menschen / Menschen“, „¬ Gemeinschaft / Gemeinschaft“, „schwarz, rot, gelb / ¬ schwarz, rot, gelb“, „¬ gold / gold“) lassen sich nach der Analyse der Artigo-Daten und ihrer hermeneutischen Auslegung in Bezug auf das vorgestellte Bildpaar formulieren:
die Nacht dem Tag, den Effekt des speziellen, herausgehobenen Augenblicks, die Künstlichkeit, das Konstruierte der Situation, das Geometrische auf der einen Seite der Natürlichkeit, dem Organischen auf der anderen Seite entgegenstellen, dem Kontrastiven wiederum den (auch farblichen) Gleichklang und die Harmonie der Menschen mit dem Lauf der Welt und dem Fluß des Lebens. Bei Stuck koinzidiert einzig der Mensch mit dem Licht und dem Feuer, entgegen der kalten, geistlosen Nacht der unbelebten Natur, als Triumph des Geistes – bei Turner fügen sich die Menschen mit dem All der Natur im Gleichklang zusammen.

Kunsthistorisch und ideengeschichtlich unterschiedliche Weisen, die Feierlichkeit des Geburtstages zu erfassen, münden in farbformal und bildkompositorisch kontroverse Schemata und Muster. Grelle Farben, zentralistische Pyramidaldisposition und akkurate Symmetrie versus warmes Gold und die Horizontale, das organisch Angelegte. Diese farbformalen und bildkompositorischen Schemata und Muster sind durch die digital gestützte Kunstgeschichte messbar und mathematisch zu artikulieren. Dies ermöglicht neue Herangehensweisen an, auch automatisierte und massenhafte, Bildvergleiche.

Den eingangs formulierten Fragen konnten wir durch die Anschauung der Abbildungen und die Analyse der Annotationsdaten eine Spur näher rücken:
„Gemeinschaft“ als Gruppe wird begrifflich eher erfasst, wenn das Gruppengesamt im Bild ersichtlich werden kann, d.h. auch das Ende, die Grenzen der Gruppe durch das Auge erfassbar werden (Turner). Eine Gemeinschaft als Form tritt hervor.
Als pure Menschenmasse, die sich ohne Rhythmik und Definition durch das Bildgesamt endlos zeigt (Stuck), wird das eigentliche „Zusammen“ und „Beieinander“ der Menschen weniger ersichtlich und augenscheinlich. Das Zusammensein kann vom Betrachter nicht überblickt, über den Sehsinn nicht eingeordnet und begrifflich nicht erfasst werden (Bilder von Menschenmassen bei Demonstrationen beispielsweise würden wohl auch eher nicht mit „Gemeinschaft“ annotiert, wohl aber die Abbildung einer vereinzelten, definierten Gruppe von Demonstranten).

Für die Goldfrage: Der Glanz und Schein des Goldenen wird in Turners Gemälde begrifflich fassbar (vgl. Analyse der Annotationsdaten). Die vereinzelten goldenen Reflexe in Stucks Bild hingegen werden möglicherweise aufgrund der insgesamt reduzierten Palette des Gemäldes mit „Gelb“ beschrieben: Schwarz, Rot, Gelb, basta – einfach ausgedrückt. Dies kann hier freilich nur gemutmaßt werden.

Die kontradiktorischen Assoziationen, die durch die beiden Gemälde von Geburtstagsfeiern hervorgerufen werden, lassen sich schließlich wohl nicht besser auf den Begriff bringen, als es die Artigo-Spieler getan haben:
Einmal ist es die Feierlichkeit für einen Menschen – und einmal eine Feier der Menschen.


 

Das Internet hat schon jetzt das kunsthistorische und allgemein das wissenschaftliche Veröffentlichungswesen verändert. Open Access, online, Weblogs: das sind einige der Stichworte, die einen Wandel ankündigen, der sich zweifellos noch entschieden verstärken wird. Was sind die Konsequenzen für die Akteure? Welches sind die rechtlichen Rahmenbedingungen? Was für neue Möglichkeiten ergeben sich durch umfassende Verlinkungsmöglichkeiten, Bewegtbildintegration, Simulation und Interaktivität – um nur einige Perspektiven zu nennen? Sie werden im Mittelpunkt der Tagung stehen, bei denen vor allem Kunsthistoriker*innen und Jurist*innen vortragen werden.

15 Uhr 00 Kaffeepause

18 Uhr 30 Pause

19 Uhr 00 |  Abendvortrag
Wolfgang Kemp, Uni Lüneburg/ Hamburg: I had it all: In 50 Jahren vom Dissertationsdruck zum E-Book

11 Uhr 00 Kaffeepause

11 Uhr 30 |  Christian Gries, München: „Living documents“ statt totes Holz. Alternative Publikationsformen in Zeiten der Digitalisierung

12 Uhr 15 |  Claudie Paye, München: Modelle des Open-Access-Publizierens an der LMU München

Um Anmeldung wird gebeten.

Unsere Session widmete sich der Frage, wie Graphik im digitalen Raum aktuell zugänglich gemacht wird und was hier wünschenswert wäre. Georg Schelbert hat den Kontext der Graphik online in einem Beitrag auf diesem Blog prägnant zusammengefasst: “Keine andere Kunstgattung profitiert von der Digitalisierung so stark wie die Graphik”.
Wir hatten uns im Vorfeld des Barcamps dazu Gedanken gemacht und stellten in unserer Session sechs Thesen zum Thema zur Diskussion. Fragen, wie “Inschriften transkribieren, transliterieren, übersetzen – zu welchem Zweck?” oder “Wie steht es um die sammlungsübergreifende Exemplarsuche?” sind – so lässt zumindest unsere Erfahrung aus der Diskussion schließen - nach wie vor relevant und bedürfen der Formulierung von Anforderungen aus dem Publikum, aber auch entsprechend orientierten Umsetzungen seitens der Institutionen, an denen Daten erzeugt werden. Standardisierungsversuche wie sie etwa im Graphikportal (https://www.graphikportal.org/) unternommen werden sowie deren Kommunikation sind fortlaufende Aufgaben und werden wohl auch zukünftig ein relevantes Arbeitsfeld sein.
Ein separater, ausführlicherer Text unsererseits zum Thema dieser Session ist in Vorbereitung.

Es steht außer Frage, dass die Query-Sprache SPARQL eine mächtiges Abfragewerkzeug für Linked Data sein kann. Allerdings ist sie auch schwer zu erlernen, zu beherrschen und anzuwenden, so dass die Praxis des “SPARQLns” bislang nicht allzu weit verbreitet ist. Vor diesem Hintergrund stellt sich für Datenanbieter die Frage, ob die Bereitstellung eines SPARQL-Endpoints überhaupt sinnvoll ist, und wenn ja, wie dieser gestaltet sein sollte.
Mehrere unterschiedlichen Strategien sind hierfür denkbar. Beispielsweise ließen sich Abfragen aus verschiedenen Auswahlfeldern “zusammenklicken”, ohne dass SPARQL-Code tatsächlich eingegeben werden müsste. Ein Nachteil wäre hierbei allerdings, dass man durch die vorgegebenen Auswahlmöglichkeiten in der Formulierung der Abfrage eingeschränkt wäre. Ein anderer, innovativer Ansatz ist die Übersetzung von natürlichsprachlich gestellten Fragen in SPARQL-Ausdrücke. Auch hier ist es jedoch kaum möglich, durch den Übersetzungsalgorithmus alle durch SPARQL gebotenen Möglichkeiten abzudecken. Ferner ist aus didaktischer Sicht zu bedenken, dass SPARQL-Kenntnisse umso weniger vermittelt werden können, je tiefer man den SPARQL-Code hinter einer grafischen Benutzeroberfläche “versteckt”.
Schließlich wurde festgestellt, dass es immer noch an Applikationen oder Use Cases mangelt, die so überzeugend sind, dass sie ein größeres Publikum für SPARQL zu begeistern vermögen. Diese aus der Perspektive (oder zumindest unter Beteiligung) der Digitalen Kunstgeschichte zu entwickeln, könnte eine reizvolle Herausforderung sein.

Auch kunstgeschichtliche Daten werden gerne als Netzwerke modelliert und in Form von Graphen visualisiert. Meist geht es dabei um Personen – vorrangig Kunstschaffende – die als Knoten repräsentiert werden, und die Beziehungen zwischen ihnen, die die Kanten bilden. Doch wie generiert man überhaupt die Daten, aus denen dann das Netzwerk gebildet wird? Zwei Hauptprobleme wurden in dieser Session angesprochen: Bei besonders großen Netzwerken aus hunderten Knoten ist die Datenerfassung mühsam und langwierig – könnten hierzu nicht bereits digital vorliegende Daten einfach automatisch in ein netzwerkanwendungskonformes Format konvertiert werden? Dies ist sicherlich möglich, doch sollte man auch die Vorteile der manuellen Eingabe direkt in z.B. Gephi  erwägen, ist doch die intensive intellektuelle Beschäftigung mit dem jeweiligen Einzelfall auch ein Weg zum Erkenntnisgewinn.
Als weitere Herausforderung wurde die Vermeidung des Bias genannt, der droht, wenn man sein Netzwerk konstruiert, indem man bei einer als zentral angesehenen Person beginnt und von dieser ausgehend nach Verbindungen zu weiteren Personen sucht. Als Ergebnis einer solchen Herangehensweise wird in der Regel nur die bereits zuvor angenommene Zentralität der Ausgangsperson (scheinbar) bestätigt. Abhilfe kann hier schaffen, stattdessen mit der systematischen Auswertung der Quellen zu beginnen, aus denen sich die Beziehungen zwischen den Knoten herstellen lassen. Dies könnten beispielsweise Ausstellungskataloge sein, aus denen gemeinsame Ausstellungsteilnahmen als Beziehung zwischen Künstlerinnen hervorgehen.

In dieser Session wurde nicht nur International Image Interoperability Framework (IIIF) vorgestellt, sondern auch der Prototyp einer konkreten Anwendung im Mirador-Viewer für arthistoricum.net. Die Vorteile des Frameworks für NutzerInnen liegt vor allem in seiner Unabhängigkeit von einzelnen Institutionen und seiner Interoperabilität. IIIF umfasst vier Schnittstellen (APIs), die jedoch auch einzeln bzw. in unterschiedlichen Kombinationen genutzt werden können. Auch dieser modulare Aufbau und die stetige Weiterentwicklung der APIs macht das Framework zu einer interessanten Technologie für Auffinden, Präsentation und Nutzung von Bildern im Internet. Am Beispiel des Mirador Viewers zeigten die Drei aus der SLUB, wie für NutzerInnen von arthistoricum.net das Sammeln, Vergleichen und Annotieren von Bildern möglich ist. Datengeberinnen für diese Mirador-Instanz sind bislang die Bilddatenbanken der Universitätsbibliothek Heidelberg (heidICON) und der Deutschen Fotothek. Dieser Anfangspool soll mit der für den Sommer geplanten Veröffentlichung um weitere größere Bildquellen ergänzt werden. Aber auch für kleine Institutionen könnte arthistoricum.net dank IIIF eine niedrigschwellige Option zum Teilen und Verbreiten ihrer Bilddaten darstellen.

Nach all diesen spontanen und interaktiven Barcamp-Sessions gab es dann doch noch einen traditionellen Frontalvortrag: Holger Simon stellte die nationale Forschungsdateninfrastruktur (NFDI) vor, ein groß angelegtes DFG-Förderprogramm, das künftig “die Datenbestände von Wissenschaft und Forschung systematisch erschließen, nachhaltig sichern und zugänglich machen sowie (inter-)national vernetzen” soll (vgl.: https://www.dfg.de/foerderung/programme/nfdi/). Unter den vorgeschlagenen Einzelkonsortien ist “NFDI4Culture” dasjenige, durch das sich die Kunstgeschichte am ehesten repräsentiert sehen könnte. Daneben gibt es jedoch Überlegungen zu anderen geisteswissenschaftlich ausgerichteten NFDI-Verbünden. Welche davon letztendlich gefördert bzw. überhaupt erst beantragt werden, steht noch in den Sternen. Der nächste Meilenstein auf dem Weg zur Umsetzung wird die erste NFDI-Konferenz am 13. und 14.5. in Bonn sein.

Als aufgelockerte Alternative zum klassischen Vortrag bot das Barcamp die Möglichkeit Gleichgesinnte kennenzulernen bzw. Interessengruppen zu bilden und auch Fragen zu diskutieren, die vielleicht sonst kaum oder weniger konkret verhandelt werden. Auch wenn sich einige BarcamperInnen an das “Du” erst gewöhnen mussten, ermutigt gerade die Spontaneität des Formats vielleicht auch sonst eher passive TeilnehmerInnen dazu, sich in Diskussionen zu engagieren oder Fragen zu stellen. Die unterschiedlichen Hintergründe der TeilnehmerInnen fördern außerdem einen Blick quasi aus der eigenen Bürotür heraus sowie das Interesse am Finden von Gemeinsamkeiten.

Wünschenswert für ein etwaiges weiteres ArthistoCamp wäre eine kurze abschließende Plenumsrunde, bei der die Ergebnisse aus den Einzelsessions noch einmal für alle zusammengefasst werden.

Martin de la Iglesia ist Wissenschaftlicher Mitarbeiter im Projekt “Kommentierte digitale Edition der Reise- und Sammlungsbeschreibungen Philipp Hainhofers (1578-1647)” an der Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel sowie Promotionsstudent im Fach Kunstgeschichte an der Universität Heidelberg.

Julia Rössel ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin im Projekt “Kupferstichkabinett Online”, das ebenfalls an der  HAB angesiedelt ist, und befasst sich im Rahmen ihrer Promotion mit Transformationsprozessen bei der Digitalisierung von Graphischen Sammlungen.